Mobile ART

Mobile video art: citySCREEN to take away, una selección online de 11 piezas de videoarte rodado con móvil de 10 artistas diferentes.

Un año más estamos en el Festival Loop- Screen From Barcelona con una propuesta expositiva, aunque este año nos hemos quedado por la nube, ya que la exposición se puede disfrutar exclusivamente en la red. No hace falta que estés en Barcelona, desde cualquier lugar en el que tengas Internet podrás acceder a Mobile video art: citySCREEN to take away. Pero si estás por la ciudad, quizás encuentres un código QR como este, a través del cual podrás acceder a la selección con tu móvil o tablet, ya que están repartidos por los diferentes espacios de proyección del Festival.

Queremos que durante el Festival el videoarte inunde la ciudad y que mejor manera que a través de códigos QR. La mayoría llevamos un móvil encima, así que queremos que tengas la posibilidad, si quieres, de ver estas piezas donde, cuando y como quieras. Todas ellas son obras de corta duración y en las que el concepto o la forma está directamente vinculado con la naturaleza de la herramienta, experimentos estéticos que los artistas  han llevado a cabo con sus móviles y que nos parecen muy apropiadas para que te acompañen también por la ciudad.

Artistas y obras:

Álvaro Collar

Myriad  (2011)

Mirage  (2009)

Su obra está impregnada de cierta libertad experimentadora, muy propia del videoarte, a lo que debemos sumar las nuevas posibilidades que le aporta la práctica con todo tipo de cámaras, incluyendo las cámaras de los móviles. Sus videocreaciones rodadas con teléfonos nos trasladan a estados de ánimo opuestos y uno puede pasar de la angustia a la liberación, de la luz a la total oscuridad, en tan sólo unos segundos, en tan sólo unos planos… Las piezas de videoarte de Álvaro Collar representan experiencias estéticas abiertas que permiten crear nuestra propia vivencia a través de sencillas y poéticas imágenes como las que componen estas dos piezas que hemos seleccionado.

João Krefer

Julho (2010)

Un lluvioso mes de julio en Curitiba, su ciudad natal, es lo que nos muestra João en su pieza Julho. Como él mismo cuenta, vive en una ciudad bipolar, llena de contrastes en los que los fríos inviernos se han convertido en una cuestión estética para el autor y utiliza recursos naturales como la lluvia como elementos protagonistas, con el que además crea un filtro entre la imagen y el espectador. Vida y cine, unidos de forma directa, es lo que buscan las películas de este joven realizador brasileño.

Patricia Luna Alfiorova

Confort (2012).

Inquietante pieza realizada en stop-motion que nos muestra un universo ambiguo en el que el personaje protagonista se sitúa en una extraña atmósfera llena de contrastes, mientras el espectador le sigue en un intento de comprensión. Confort nos muestra la búsqueda de la comodidad más personal e íntima, la de uno consigo mismo. La portabilidad propia del teléfono móvil le da a Alfiorova la agilidad necesaria para crear imágenes dinámicas que se aproximan y persiguen al personaje protagonista, imágenes que encuentran en el montaje y en la edición todo su sentido.

Txalo Toloza-Fernández

Siguiendo a un desconocido por la calle (2010)

Hombre experimental por naturaleza que utiliza las características propias de la tecnología móvil de forma natural e intuitiva para sus creaciones audiovisuales, ya sea videoarte, performance, “samplers escénicos” o todo a la vez. Las piezas de Txalo nos colocan en situaciones entre absurdas y cómicas, en las que incluso nos reímos, pero de forma sutil utiliza el humor para plantear temas capitales de la vida contemporánea. ¿Que está sucediendo con nuestra privacidad? ¿Estaremos todos en YouTube, como cualquiera de los protagonistas de esta pieza, y quizás no lo sepamos nunca? ¿de verdad nos importa nuestra privacidad? ¿ Cuánto? Más o menos que hace 5 años? ¿Es ética la postura del artista?….

Kenneth Russo

Canódromo (2012)

Las imágenes que componen esta pieza fueron rodadas en el 2005, y aunque parezca una aclaración poco necesaria, quizás no lo sea tanto si tenemos en cuenta que, actualmente, no son pocos los creadores que buscan la baja calidad de las imágenes como una simulación de veracidad o por cuestiones puramente estéticas, para lograr imágenes más “pictóricas” explorando lo que en ocasiones se ha llamado “la estética del píxel”. Pero detrás de esta pieza se esconden temas que van muy ligados a la propia genealogía de la herramienta, de reducido tamaño que nos dota (y más aún en el año en que se rodaron) de cierta invisibilidad y clandestinidad que nos permite captar la realidad que nos rodea, estemos donde estemos. Pero además, esta pieza rodada en el antiguo canódromo, se presenta como una oportuna metáfora sobre la gestión que los órganos de gobierno llevan a cabo respecto a la cultura en general y al arte contemporáneo en particular.

Joan Constanso

Returnal  (2012)

Si como decía Antonin Artaud, el cine es un espejo que se mueve, no es raro pensar en la imagen en movimiento como un tipo retrato. Algunas veces se ha hablado de video-retratos, a partir de la aparición del vídeo, pero quizás con el móvil adquieran otro estatus, al ser una herramienta a la que estamos absolutamente acostumbrados y de un tamaño tan reducido, quizás permita al artista un acercamiento más natural y menos invasivo hacia el retratado. Lo que Constanso nos ofrece, es un retrato en el que tanto la figura como su movimiento, nos habla de la persona,  mientras  el artista juega con los contrastes de luz convirtiéndolos en cromáticos, fundiendo la figura con el entorno que le rodea.

Judith Belmonte y Carlos Talaga

2209 (2012)

Quizás sus creadores, Judith y Carlos, nos hablen de la extraña calma de una habitación de hotel, del gran atractivo de una ciudad que no tendrás tiempo de conocer, de la tranquilidad que nos regala el anonimato o de lo que no ves cuando hay demasiada luz y la oscuridad te lo aclara todo. Cuerpos borrosos, objetos nítidos y paisajes contrastados, 2209 es un delicioso experimento visual en el que la poesía se convierte en el lenguaje que mejor nos acompaña. Imágenes de gran calidad que responden al increíble desarrollo que han sufrido las cámaras de los móviles en los cinco últimos años, acompañadas de un fino trabajo en el montaje y la música.

Mateo Austin

Paseando (2012)

No siempre las cosas son lo que parecen y no siempre nos acordamos de que así es. Austin nos introduce en un juego tan sencillo como eficaz, en el que a partir de una sola imagen el espectador crea todo un contexto imaginario que poco después verá que no se corresponde con lo que el vídeo nos muestra. El artista utiliza un móvil el cual tiene un fallo de software que no le permite interpretar bien los colores y la luz, por lo que logra captar estas imágenes saturadas. Quizás sea esto, o algo similar, la versión tecnológica de la Estética de lo feo. Pero una vez más, el móvil se nos presenta como una herramienta perfecta para la experimentación audiovisual.

Bruno Peláez

M (2012)

Todo un experimento cromático-lumínico en el que el autor juega con imágenes nocturnas para crear una abstracción a base de luces.  Luces artificiales de la ciudad que se funden con el reflejo del mar, aviones que parecen planetas y toda una sinfonía de colores cambiantes que convierten a esta pieza en una visión abstracta y peculiar de la ciudad.

Arthur Tuoto

Landscape Memory #1 (2009)

¿Por qué tan verde y solitario? Esta inspiradora pregunta que reza una canción de Radiohead es lo que el artista nos traslada a través de esta pieza.En Landscape Memory #1 el móvil se presenta como un lápiz audiovisual que le permite a Tuoto realizar anotaciones audiovisuales urbanas o territoriales. Los medios locativos, como el móvil, nos permiten radiografiar nuestro entorno, ya sea urbano o natural. El artista, en este caso, utiliza la creación como vía de investigación sobre cuestiones visuales que le preocupan, como el movimiento de la cámara y la luz o la estética de una resolución menor.

Texto Curatorial

Exposición online de videoarte móvil para Screen From Barcelona 2012.

Selección de trabajos audiovisuales móviles.

Mobile video art: citySCREEN to take away es una exposición virtual compuesta por una selección de de piezas rodadas con teléfono móvil que se podrán visualizar online en la página del festival. La selección está compuesta por obras de diferentes artistas y lenguajes estéticos y pretende acercar al público del festival, un año más, la incidencia de este dispositivo en la video-creación contemporánea. A la selección también se podrá acceder desde cualquier dispositivo móvil a través de códigos QR que los usuarios encontrarán distribuidos por la ciudad en los diferentes espacios de proyección.

A nadie se le escapa que la telefonía móvil constituye un auténtico fenómeno social. Su portabilidad, su capacidad aglutinadora de diferentes tecnologías, su potencial como medio de registro alternativo o su accesibilidad son algunas de las principales características que han ayudado a que el teléfono móvil se haya convertido en la tecnología que tiene mayor presencia en la sociedad. Y como una consecuencia natural vemos cómo el móvil, que ha evolucionado hasta convertirse en una plataforma multimedia presente no sólo en nuestra actividad comunicativa, se introduce en las prácticas artísticas de forma progresiva y profunda.

Las posibilidades creativas que los terminales móviles nos ofrecen están, en muchos casos, vinculadas a la producción audiovisual. Al convertirnos en portadores continuos de cámara y pantalla, tenemos la posibilidad en cualquier momento y lugar de registrar lo que nos rodea, por lo que esta tecnología dota a los creadores de una mayor libertad de crear imágenes en movimiento nacidas de un gusto personal espontáneo.

El vídeo móvil posee un lenguaje que va ligado a la naturaleza del dispositivo y a cómo nosotros mismos reaccionamos a ésta, por lo que la interfaz adquiere gran protagonismo en la relación existente entre la herramienta y lenguaje. Enfrentarse a una herramienta nueva abre nuevas vías de experimentación que en el caso del móvil se amplían, al ser ésta una tecnología en la que convergen otras muchas, pero en el caso concreto de la creación audiovisual, esta  experimentación se traduce en la búsqueda de nuevas formas y caminos de representación, nuevos matices que están muy ligados al sentimiento de cercanía y apego que nos produce este aparato tecnológico (no comparable a ninguna tecnología anterior). Por otro lado, cabe destacar que en parte de los trabajos realizados con móvil subyace una reflexión sobre la propia tecnología así como los efectos que causa en la sociedad.

La interfaz móvil dota a los creadores de gran independencia y autonomía si tenemos en cuenta que se trata de una herramienta que no sólo graba y reproduce utilizando una misma pantalla, sino que además permite manipular y editar, archivar, distribuir y publicar gracias a la existencia de Internet, desde el mismo Terminal, convirtiendo así a los creadores en  distribuidores, lo cual facilita, estimula, y de alguna manera, democratiza los procesos de producción.

Mobile video art: citySCREEN to take away

Un año más estamos en el Festival Loop- Screen From Barcelona con una propuesta expositiva, aunque en esta ocasión nos hemos quedado por la nube, ya que la exposición se podrá disfrutar exclusivamente en la red a partir del 17 de junio.

No hace falta que estés en Barcelona, desde cualquier lugar donde puedas conectarte a Internet disfrutarás, si quieres, de una selección de  piezas de videoarte  rodado con teléfonos móviles.

Mobile video art: citySCREEN to take away es una selección online de videoarte compuesta por obras de Álvaro Collar, Kenneth Russo, Txalo Toloza-Fernández, Joao Krefer, Judith Belmonte, Patricia Luna  Alfiorova, Joan Constanso, Mateo Austin,  Bruno Peláez y Arthur Tuoto. Desde aquí quiero darles las gracias a todos ellos por prestarme sus piezas y   por las conversaciones que tenemos, así da gusto!

Hoy continuamos con este proyecto en el que aún estamos inmersos, Mobile Art. Experiencias móviles. Una exposición que pretende mostrar diferentes ejemplos de obras vinculadas ala comunicación móvil y que se puede ver en la Fundación Godia hasta el 20 de junio en Barcelona (prorrogada hasta el lunes 18 de julio).

Este nuevo medio se ha convertido en un objeto cultural de pleno derecho y posee unas características que facilitan el acceso a la experimentación artística digital, pero además es un medio que está introduciéndose tan rápito en nuestra vida que apenas nos paramos a pensar sus efectos, pero a través de muchas de las obras podemos llegar a ideas y reflexiones en torno tanto a los profundos cambios que está produciendo en nuestra manera de comunicarnos, como a las nuevas posibilidades que nos ofrece.

Trece artistas nos enseñan sus trabajos, y a través de ellos,  diferentes formas de utilizar este nuevo medio con características que han sido muy bien aprovechadas por estos y otros muchos creadores que buscan nuevos caminos y para los que la experimentación es el motor de sus creaciones.  Desde aquí nuestro más sincero agradecimiento por habernos acompañado, ayudado y animado en esta aventura.

Un poquito de información sobre ellos, sus obras y lo que se puede ver en la exposición:

Antoni Abad (Lleida, 1956) Licenciado en Historia del Arte, comenzó en el mundo de la creación en el terreno de la pintura pero la búsqueda de la ocupación del espacio le llevará a la experimentación escultórica con nuevos materiales. A principios de los 90 comienza a trabajar con vídeo, respondiendo a una necesidad de expresión secuencial y llevando a cabo vídeointalaciones muy ligadas al espacio. El uso de Internet será una evolución lógica en su trabajo que le llevará a convertirse en uno de los mayores exponentes del net.art en España. A partir del 2003 comienza con el proyecto zexe.net, actualmente llamado megafone.net  con el que logra en 2006 reconocimientos como el Golden Nica Digital Communities de Ars Electronica y el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña.

Obra: Megafone.net, 2004-2011

megafone.net 2004-2011

Abad nos presenta megafone.net, un dispositivo comunitario de publicación móvil en Internet en el que grupos de personas en riesgo de exclusión social y mediática expresan sus experiencias y opiniones a través del registro, mediante teléfonos móviles, de sonidos e imágenes que son automáticamente publicados en la Web del proyecto. El teléfono móvil se convierte en un megáfono digital que amplifica la voz de los grupos emisores que participan en el proyecto desde el año 2004 hasta la actualidad.

Béatrice Valentine Amrhein (Wassy, Francia, 1969) vive y trabaja entre París y Nueva York. Con una sólida formación en pintura, su preocupación experimental le lleva a buscar nuevos caminos de expresión a través de muy diferentes formatos como la pintura, la fotografía, la videocreación o las instalaciones. En sus obras, las formas, los colores y los fragmentos del cuerpo se mezclan creando poéticos y atemporales diálogos. Ha llevado a cabo diferentes trabajos en los que utiliza la tecnología móvil como herramienta, soporte y concepto que nos ayuda a reflexionar sobre los cambios comunicacionales causados por los avances tecnológicos.

Obra: TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

Amrhein utiliza el móvil como una herramienta creativa, como una extensión del cuerpo que le permite dibujar y expresarse. Esta instalación creada específicamente para la exposición nos muestra un mismo vídeo, una misma historia reproducida de forma no simultánea, lo que nos permite una percepción diferente de la obra. De esta forma la artista aborda un tema que le interesa especialmente: cómo las nuevas tecnologías, que facilitan las comunicaciones humanas, a su vez también distorsionan nuestra percepción de la distancia y del espacio.

María Cañas (Sevilla, 1972) aka “La Archivera de Sevilla”, caníbal audiovisual, cibergarrula, peliculera, salvaje mediática, zensualista…Dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación artística centrada en el reciclaje, el apropiacionismo y el crecimiento personal. Sus trabajos han sido exhibidos en numerosos festivales, galerías y eventos internacionales. Entre otros premios ha recibido en el 2007 el Prix Ibn Batuta FIAV.07-Esca del Centro Pablo Neruda de Nimes (Francia), el Premio a proyecto audiovisual Injuve 01 (Madrid) y el Premio Eurovídeo 01 (Málaga). Una frase de Bukowski que saldría de sus labios: “Cuando todo se iba al carajo, siempre estaba la poesía para salvarme el culo”.

Obra: Por un puñado de Yuanes, 2008

Por un puñado de Yuanes 2008

Por un puñado de Yuanes es un periplo al corazón de Shanghai para descubrir los misterios de la venta ambulante clandestina de películas eróticas chinas; una crítica a la represión sexual de la población y a la prostitución infantil. Trata sobre la hipocresía, la obsesión consumista del turista occidental y su pasión por el give me two. Es una confrontación entre dos formas radicalmente diferentes de entender la vida y el erotismo por medio de un surrealista toma y daca monetario. Un delirante y surrealista viaje de una occidental grillada (¡¡¡sí, amigos, servidora!!!) abriéndose paso a través de la muralla de rostros chinos para encontrar El Santo Grial del erotismo chino, dvd´s mediante… La consigna es “Give me dividiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!”.

Javier Castañeda (Madrid, 1967) De espíritu viajero e incansable observador de núcleos urbanos, Javier Castañeda cambió el mundo de la abogacía por el periodismo y durante los últimos 15 años ha trabajado en proyectos de Internet para medios como Telemadrid, Grupo Correo o Baquía.com. Ahora dirige el área de Tecnología y Cibercultura de Casa Asia, y es blogger en El País y en La Vanguardia.

Obra: Micrografías, 2004-2011

Micrografías 2004-2011

Micrografías muestra el recorrido de Javier Castañeda por las principales urbes del mundo desde el año 2003 hasta la actualidad. Un tránsito a vista de móvil de Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Seúl o Shangai del que el autor nos presenta una selección de micropostales neonómadas que, a modo de pinceladas, reconstruyen la caleidoscópica imagen de una sociedad desestructurada.

Álvaro Collar (Madrid, 1981). Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y diplomado en Cinematografía por la Escuela de Cine de Brighton. Es miembro fundador del colectivo de videoarte Haz! y ha desarrollado residencias artísticas tanto en España como en el extranjero. En la actualidad estudia el doctorado en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica en la Universidad Complutense de Madrid y trabaja como profesor de videoarte y cinematografía para instituciones como ECAM, Phoenix Brighton o Blank Studios. Sus trabajos se han expuesto en diferentes centros y festivales como Medialab Madrid, WMM Cup de Corea del Sur, Mobilefest de Sao Paulo, Microfilms Lisboa y el espacio NIU de Barcelona entre otros.

Obras:

Mirage, 2009
Pranayama, 2010
9th Room, (con la actriz japonesa Yurika Kodama) 2011
The Myriad Souls of Light, 2011

Pranayama (2010)

Una de las constantes de la obra de Álvaro Collar es su interés por tratar de reconciliar el lenguaje cinematográfico con la libertad de experimentación propia del videoarte. Parte de esa búsqueda experimental se ha dirigido hacia la práctica con todo tipo de cámaras para la producción de sus piezas, incluyendo las de los teléfonos móviles.  En sus propias palabras, “si la idea es suficientemente buena, y si la calidad y propiedades del video son usadas con cuidado, el vídeo puede funcionar como videocreación”.

Pere Cortacans (Barcelona, 1967) estudió arquitectura en E.T.S.A. Barcelona (1985-1992), Diseño industrial en Domus Academy Milan y fotografía en IDEP (2003). Sus obras de arquitectura e interiorismo han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales. Ganó el Primer Premio del concurso de Fotografía digital para arquitectos organizado por el Colegio de Arquitectos de Catalunya. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas de fotografía, como Work In Progress en la Galería Tagomago de Barcelona. Sus fotos han sido publicadas en revistas como Time-out, Trendsetter o Maviology. Enseña técnicas de fotografía digital para arquitectos en la diplomatura DALF de la Universidad Pompeu Fabra y en varios cursos de Postgrado de la Escola Sert.

Obras:
365 Days of phone.tography. 2009-2010
DeChromaMe. 2011

365 Days of phone.tography. 2009-2010

365 Days of Phone.tography: [sustantivo-transitivo, plural, inglés]: dícese del hecho de grafiar la vida cotidiana día a día, con la única ayuda de la cámara fotográfica de un teléfono móvil.
DeChromaMe, cortometraje experimental que conduce al observador, con la ayuda de un ejercicio estilístico basado en una serie de derivaciones cromáticas, a analizar la relación entre el sujeto y el estado de ánimo del espacio que lo rodea. Un espacio caracterizado por un estado de ánimo diáfano pierde sus propiedades iniciales para convertirse en focalizado, inquietante, obscuro, latente, brillante, cálido, penetrante, transitorio, deambulante, sórdido, en expansión…y vuelta a empezar.

Anaisa Franco (Brasil, 1981) (VI Premio ARCO Madrid/BEEP de Arte Electrónico 2011), es licenciada en artes visuales por la Fundaçao Armando Álvares Penteado de Sao Paulo y Máster en Digital Art and Technology por la Universidad de Plymouth, UK. Durante el año 2010 realizó residencias en el Centro de Producción de Barcelona Hangar y en el Centro Taipei Artist Village en Taiwan. Sus esculturas robóticas vinculan y conectan la tecnología y lo digital con características propiamente humanas como la imaginación o la memoria logrando así suscitar inesperadas experiencias en el visitante. Sus creaciones han sido expuestas en numerosos centros de arte, museos, galerías y festivales de Europa, Asia y América.

Obra:

Connected Memories, 2008

Connected Memories 2008

Instalación que gira en torno a temas como la memoria, los recuerdos, los sentimientos y la comunicación. La parte audiovisual de la obra se alimenta de una base de datos construida en parte gracias a las aportaciones vía Bluetooth de aquellas personas que, en una primera fase de exhibición, quisieron interactuar con ella. La inserción de estas imágenes en el conjunto de esta instalación, de fuerte presencia y carga simbólica, abre innumerables puertas al diálogo entre la obra, el espectador y el espacio que los acoge.

Andrés Duque (Caracas, 1972). Estudió periodismo en la Universidad Central de Venezuela. En 1994 se incorpora a la división latinoamericana de la cadena de televisión HBO como guionista y realizador de reportajes sobre cine. En el año 2000 se muda a Barcelona donde cursa un Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo en la Universidad Autónoma de Barcelona. Actualmente trabaja como realizador, programador de cine y docente.

Obras:
Life Between Worlds not in Fixed Reality, 2008
El Centro del Universo, 2008

El Centro del Universo (2008)

En Life Between Worlds not in Fixed Reality y El Centro del Universo Andrés Duque aprovecha la agilidad del móvil para iniciar recorridos que, partiendo de un momento de la realidad, van cargándose de sugerencias, conexiones y posibles lecturas hasta acabar conformando una verdadera invitación a renovar nuestra mirada sobre el mundo.
Ambos trabajos formaron parte del proyecto “La mano que mira” iniciado por el Festival de cine documental de Navarra, Punto de Vista.

David de Haro (Barakaldo, 1972) Profesional de la fotografía en prensa y en otros ámbitos, emprende el proyecto iPhonegrafías en el 2010 como una manera de recuperar la pasión por la práctica fotográfica. Una selección de su trabajo ha sido expuesta este mismo año en la sala Black Box de Bilbao.

Obra: iPhonegrafías, 2010

iPhonegrafías 2010-2011

David de Haro utiliza el móvil como una herramienta que le posibilita profundizar en la espontaneidad y la libertad de acción como bases de su trabajo fotográfico. En este sentido el móvil, no sólo le permite una captura disimulada y casi inmediata del momento, sino también almacenar, editar y publicar con una facilidad y velocidad antes impensable. Todo lo necesario para poder centrarse en capturar los instantes de poesía que le ofrece la realidad con la que se topa en la cotidianidad del día a día.

Olga Kisseleva (San Petesburgo, 1965) pertenece a la primera generación de artistas rusas surgida después de la Perestroika de la que es una de las representantes más destacadas e internacionales. Durante la década de los años 90 y gracias a la Fundación Fulbright viajó a Estados Unidos para realizar su trabajo de investigación vinculado al desarrollo de las tecnologías digitales. Actualmente reside en París, donde ejerce su actividad artística y docente. Ha expuesto en los museos y ferias de arte contemporáneo más destacadas del panorama del arte actual.

Obra: CrossWorlds, 2011

CrossWorld - Evidence 2011

CrossWorlds refleja el interés de la artista por lo que políticamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Kisseleva se sirve de la tecnología móvil y de los códigos QR para proponernos la traducción en tiempo real y a forma textual de la información subliminal que se esconde tras las imágenes.

Bruno Peláez (Ciudad de México, 1980) define como realizador audiovisual, etiqueta bajo la que agrupa una amplia y heterogénea actividad creativa que incluye piezas de videoarte, animación, interactivos o cortometrajes. Actualmente alterna su tiempo entre proyectos comerciales y artísticos.

Obra: Catrina’s Afternoon, 2011

Catrina`s Afternoon 2011

Catrina’s Afternoon, obra realizada para el concurso N8 Producers de Nokia, ilustra perfectamente las actuales posibilidades técnicas de la producción audiovisual con móviles. En ella “La Catrina”, figura creada por José Guadalupe Posada y que se ha convertido en un personaje importante del folclore mejicano, nos acompaña en un recorrido que plasma una mirada crítica y personal hacia la ciudad de Barcelona.

Kenneth Russo (Llambilles, Girona, 1976) Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Barcelona, Kenneth Russo es un artista visual interesado en la comunicación, el juego y las nuevas tecnologías en su vertiente más social. Su trabajo, que se despliega en diversos formatos como el vídeo, las instalaciones, las aplicaciones informáticas o el dibujo, nace de la participación con otros creadores y de las interrelaciones locales.

Obra: ADD ME, 2011

add me 2011

ADD ME es un video que, a través de una filmación cotidiana realizada con un móvil, reflexiona en tono poético sobre la libertad que experimenta el usuario en la red. Concretamente ante el fenómeno de las redes sociales. En un espacio social global, ¿hay lugar para aquellos no-usuarios de las redes sociales? ¿Hay forma de escapar de las inercias colectivas? ¿Estamos condenados a asociarnos? ¿Es la red un espacio en donde volar sin compañía? La etiqueta del 2.0, ¿hace referencia a la calidad o a la cantidad? ¿Qué se esconde tras esta voluntad de querer agregarse al grupo? Add me, agrégame, hazme de tu grupo… ¿Quién va detrás de quién?

Txalo Toloza-Fernández (Antofagasta, Chile, 1975)  se forma como creador audiovisual en Santiago de Chile y Barcelona, en donde reside y trabaja desde 1997. En el 2005 crea el estudio audiovisual MiPrimerDrop. Videoartista, performer y vj, ha especializado su trabajo en la creación audiovisual dirigida a las artes escénicas y a los lives. Entre otros festivales, sus piezas han sido proyectadas en ARCO, “Panorama” de Olot, los festivales Grec, Loop y Sonar de Barcelona, “Il Coreografo Electronico” de Nápoles, “Wiener Festwochen” de Viena, “KunstenFestivalDesarts” de Bruselas y “Crossing Festival” de Beijing.

Obras:
Siguiendo a un Desconocido por la Calle, 2010.
Conoces la Banda Sonora de tu Generación, 2010.
Trópico 1, 2011

Txalo Toloza-Fernández crea piezas audiovisuales de marcado carácter experimental en las que aprovecha características propias de la tecnología móvil, como la portabilidad o la inmediatez, de forma totalmente espontánea y natural. Sus videocreaciones nos muestran historias que, a través del sentido del humor y de las vivencias personales, nos atrapan a la vez que nos hacen cómplices de sus acciones.

Además de estas obras y artistas en Mobile Art. Experiencias móviles podemos ver vídeos que registran proyectos interactivos y/o performáticos que se han llevado a cabo y que nos interesaba mostrar como ejemplo de otros usos de este medio por parte de los artistas. Esta selección está compuesta por las siguientes obras:

SMSlingshot 2008 del colectivo VR/URBAN

Gravity 2010 de Julien Gachadoat

The Urban Speaker 2010 de Carlos J. Gómez de Llanera

Mobile Crash 2009 de Lucas Bambozzi

Light Frequency Fingertips 2009 de Robert Mathy

Cell Phone Booth 2002 de Nick Rodrigues

Algunas fotos de la exposición:

Connected Memories 2008

365 Days of phone.tography 2009-2010

viendo y escuchando

experiencias móviles

Hace tiempo que nos rondaba en la cabeza saltar eventualmente del blog al espacio físico expositivo. Hoy por fin podemos contaros que participamos en un proyecto expositivo en el que se mostrarán una serie de creaciones vinculadas a la tecnología móvil, con la intención de hacer visible este tipo de prácticas emergentes que desde hace años venimos comentando en este blog. Lo curioso es que hasta ahora en Europa no se ha llevado a cabo un proyecto expositivo de estas características y centrado en mostrar un amplio abanico de creaciones que pasarán por la creación audiovisual, la instalación, la fotografía o la representación en vivo entre otras disciplinas artísticas.

Así que una servidora, junto a Clara Puig, diseñadora y artista,  Adrián Soler, historiador del arte y gestor cultural y el equipo al completo de la Fundación Francisco Godia, estamos llevando a cabo el proyecto expositivo Mobile Art. Experiencias móviles. Pretendemos crear un espacio que nos invite a reflexionar acerca de la incidencia que los dispositivos móviles están teniendo en los actuales procesos de creación.

Pranayama (2010) Alvaro Collar

Mobile Art. Experiencias móviles se realizará en el marco del Festival Internacional Loop, plataforma de plataformas dedicadas a la imagen en movimiento que desde el 2003 viene celebrándose en Barcelona todas las primaveras, y que nació con la vocación de responder a la necesidad existente de definir, debatir y reunir a los agentes del sector. Un sector, por cierto, el de la creación audiovisual artística, cada vez más amplio, complejo y en continua evolución, que más que nunca necesita reflexión para comprender la pluralidad de sus caminos.

La exposición contará con los trabajos de Anaisa Franco, Antoni Abad, Béatrice Valentine Amrhein, Javier Castañeda, Txalo Toloza-Fernández o Andrés Duque entre otros, y se inaugurará el jueves 12 de mayo en La Fundación Francisco Godia.

Desde este espacio os iremos ampliando la información sobre los artistas, las obras y las actividades paralelas que para niños y no tan niños, llevaremos a cabo durante el transcurso de la exposición.

El otro día estuve  en Casa Asia muy bien acompañada  por +JoanJiménez pionero del social & personal branding y editor de Spoonch y por Javier Castañeda quien organiza el ciclo de encuentros Asia Geek.

Estuvimos hablando de cultura móvil y del gran protagonismo que la tecnología de comunicación móvil ha adquirido en todo el mundo y de forma más temprana en gran parte de Asia. Mostramos proyectos artísticos, creaciones audiovisuales, festivales, centros de creación…etc. vinculados a esta tecnología, para acercarnos y tener una visión más amplia del significado de Cultura Móvil en el continente asiático.

Keitai Girl

Aunque la tecnología móvil se ha extendido por todo el planeta de forma globalizada, lo cierto es que existen algunas diferencias en cómo viven en Asia el conjunto de prácticas, intercambios, costumbres, relaciones, significados y rituales asociados a las comunicaciones móviles y que conforman lo que actualmente conocemos como Cultura Móvil (Mobile Cultur). El tremendo respeto que existe en Japón al usar el móvil en lugares públicos, el temprano desarrollo y uso de aplicaciones como por ejemplo los códigos QR, el uso masivo de Internet Móvil desde hace una década, algunas diferencias en el consumo de Contenidos Móviles (Mobile Content)…etc. son algunas de las diferencias que nos encontramos durante el recorrido que hicimos por la creación móvil en Asia.

Mobile Asia Competition

Comenzamos el recorrido por el Art Center Nabi de Seúl dónde en el año 2003 se llevó a cabo el evento Mobile Art Competition y tres años después se continuó con Mobile Asia Competition, dos plataformas que promovieron la realización de proyectos tanto audiovisuales como performáticos o de instalación, donde lo que buscaban era que los trabajos tratasen a cerca de características propias de la tecnología móvil como la movilidad, la portabilidad o la individualidad.

Shoot me if you can

Continuamos con una obra de la que ya hemos hablado, Shoot me if you can, que formó parte de este evento y que también estuvo en Dislocate, un festival que comenzó en el año 2006 y que se ha seguido haciendo en los años consecutivos y  que examina la relación entre el arte, la tecnología y nuestro concepto y construcción del lugar. Su objetivo es promover el debate internacional y el debate interdisciplinario sobre el impacto de las nuevas tecnologías en la sociedad y sobre su potencial creativo. No es un festival exclusivo de arte móvil pero abarca muchas obras que reflexionan sobre la movilidad y otros temas relativos a la tecnología de comunicación móvil.

Otro ejemplo que comentamos fue el proyecto Moblab, que se desarrolló durante Dislocate y para el que se utilizó una interfaz muy peculiar, un autobús, que acogía a un grupo de jóvenes artistas  de Japón y Alemania que desarrollan ideas creativas con tecnología móvil mientras viajan por diferentes ciudades de Japón en un autobús que está equipado con gran variedad de dispositivos digitales móviles y funciona como una base de creación e información. En cada una de las ciudades se realizan colaboraciones con centros de arte y con artistas locales… La ruta era flexible y los acontecimientos se hacían de forma espontánea y era en la Web donde se volcaba toda la información. El autobús es a la vez un espacio íntimo y privado en el que los artistas conviven, y un espacio público para la transmisión de la información mundial.

MobLab

La responsable de este proyecto fue Sikata Yukiko, comisaria independiente  y crítica de new media art, quién también se encargó de comisariar La obra interactiva que Rafael Lozano-Hemmer creo para la inauguración en el año 2003 del Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM), Amodal Suspension.

Otra de las paradas que hicimos fue la performance que Noriko Yamaguchi creó en el 2003 y con la que ha viajado por todo el mundo, Keitai Girl (en Japón se llama Keitai al teléfono y que se puede traducir como algo que llevas contigo, muy bien elegido a mi criterio…). La artista se inspira en el fenómeno que ha supuesto la tecnología móvil en su pais y lleva a cabo una performance en la que aparece con la cara blanca pintada con el maquillaje tradicional y el cuerpo cubierto con un traje hecho de teclados de móvil. La reflexión que le llevó a crear Keitai Girl partióde los cambios que se producen en nuestra forma actual de comunicarnos y hace referencia a la perdida de contacto humano y caricaturiza el cuerpo humano cargado de tecnología, que cada vez es más próximo a un cyborg.

Keitai Girl - Noriko Yamaguchi

En este recorrido que hicimos por la creación y la tecnología móvil asiática pasamos también por la experimentación musical, de la que podríamos haber hablado mucho pero preferimos detenernos en la figura de Atau Tanaka y en su proyecto 4 Hans iPhone (que realiza junto a Adam Parkinson). Atau Tanaka centra su trabajo en la creación de vínculos  entre el arte multimedia, la música experimental y la investigación. Tanaka defiende la creación de nuevas formas musicales para nuevas infraestructuras y explica su inclinación por el uso de esta tecnología en sus experimentación por la diferencia que aporta; el móvil no sólo reproduce la música sino que en un mismo dispositivo encontramos el sensor de entrada, el procesador de señales, la sintetizador de sonido y la salida del audio.

4 Hands iPhone - Atau Tanaka & Adam Parkinson

Nos detuvimos algo más para hablar de creación audivisual y nos centramos en los contenidos móviles o mobile content, y hablamos de las keitai novels, de la creación cinematográfica por y para móvil, de los muchos festivales que existen y de la última creación de Park Chan Wook rodada únicamente con iPhone.

Park Chan Wook

Después de estos y otros ejemplos que nos sirvieron para pensar, reflexionar y acercarnos a la Cultura Móvil, tanto en Asia como, por que no, en el resto del mundo, (y antes de pasar al debate con los asistentes) se proyectó el exquisito trabajo audiovisual de +JoanJiménez  sobre Tokyo. Ahí os lo dejo para que lo disfrutéis también.

Si me preguntasen qué es lo primero que me viene a la cabeza sumando los términos Rusia y Arte creo que lo primero en lo que opensaría son las vanguardias rusas, la realidad es que no se mucho sobre el arte actual que están realizando los artistas rusos. Para hacernos una mejor idea sobre qué está pasando en su panorama artístico actual podemos darnos un paseo por Arco, ya que en la edición que se inaugurará esta semana es Rusia el pais invitado.

Pero lo que a nosotros nos interesa es ver cómo algunos de estos artistas, como sucede en el resto del mundo, están utilizando las posibilidades que la tecnología de comunicación móvil pone a su dispoción para crear obras que están despertando gran interés en el público, en muchos casos precisamente por la novedad que implica. Pero realmente no creo que sea tan novedoso como desconocido, de hecho hoy hablamos de la obra Crossworlds que la artista Olga Kisseleva realizó en 2008.

CrossWorlds

Como explica la artista, le interesa lo que politicamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Esta ex-soviética nos propone participar en una especie de conspiración en la que descodificamos mensajes y en la que la artista nos situa en una irónica posición de poder.

Inpirándose en las similitudes que hubo entre la propaganda americana y soviética desde los años veinte hasta la Guerra Fria elige las imágenes más populares de una y otra propaganda, y a las que superpone un un código QR que podemos descodificar. Yo lo he hecho con una imagen de su obra utilizando una app de mi móvil y la información codificada es textual y me trasladaba una pregunta: Have you enrolled as a volunteer?

soviético/norteamericano   imagen evidente/imagen codificada   blanco/negro

CrossWorlds Olga Kisseleva

Carlos J. Gómez de Llarena con esta instalación explora cómo actualmente  tanto las experiencias físicas como las digitales dan forma al espacio público y lo transforman, cambiando así la percepción que tenemos de él. Aunque como explica el artista en una entrevista, lo que más le interesaba es verlas reacciones de la gente, como se divertía e interactuaba con la obra The Urban Speaker.

The Urban Speaker

Si gritamos en medio de la calle corremos el riesgo de parecer unos locos pero a veces uno quiere que se le oiga, que se le escuche lo que tiene que decir, proclamar sus ideas… para eso inventaron los ingleses el speakers corner. Las marcas, las empresas, los publicistas… invaden el espacio público de una manera que en ocasiones es más violenta que un gran grito, así que muchos artistas se han planteado esta cuestión de apropiarnos del espacio público para expresar las ideas propias, a la hora de llevar a cabo un proyecto. Se me viene a la cabeza el Escaparate Colectivizado (Barcelona-2005) de Pep Dardanyà o la obra que Guillermo Trujillano instaló en el 2003 en un centro comercial de Barcelona.

La movilidad que nos proporcionan algunas de las últimas tecnologías, como los móviles, han permitido al artista crear un “speakers corner” en el que no es necesaria nuestra presencia física, ya que para interactuar con la obra debemos de llamar al número de teléfono que aparece en la señal y nuestra voz, nuestros mensajes podrán ser escuchados por todos los que están ocupando ese el espacio público en el que está situada la instalación al ser amplificados por un altavoz al que está conectado un teléfono móvil.

Físicamente la obra está compuesta por un teléfono, un altavoz, una batería, una señal similar a las de tráfico y un código QR que nos da acceso a la página Web del proyecto y además nos permite la marcación rápida del número en cuestión. Y precisamente gracias a su similitud con las señales de obras o de tráfico se integra totalmente en el paisaje urbano.

La obra, aunque fue ideada por el artista hace unos años, se llevó a cabo el año pasado y estuvo expuesta en Nueva York, ciudad donde reside actualmente este artista de origen venezolano, en el marco del festival Conflux.

Ya es típico desde hace algunos años que en las plazas o calles de ciudades turísticas encontremos estatuas vivientes que imitan personajes de todo tipo, superhéroes, futbolistas, personajes de cine… lo importante es ser original.

Y originalidad no le falta al artista multimedia Sander Veenhof, quién partiendo de la idea de las estatuas vivientes, ha creado la primera flshmob de AR. En colaboración con TAB Worldmedia, una agencia de medios creativos, el pasado abril y en la plaza Dam de Amsterdam creó lo que se ha llamado la primera flashmob de Realidad Aumentada. Llenó esta plaza de códigos QR y al enfocarlos con la cámara del móvil, aparecían personajes como Superman, Darth Vader, los Beatles…

Para poder ver a estas estatuas virtuales se debe de tener instalada en nuestro terminal (iPhone o Android) una aplicación de Realidad Aumentada llamada Layar, una app nos permite añadir capas de información contextual a la imagen que enfocamos con la cámara. Aunque no es la única que existe, sí que es la más utilizada.

No sabemos que opinan las personas físicas que se dedican a este oficio de las estatuas vivientes, pero desde luego que ha debido de ser una experiencia curiosa para los que estuvieron allí, al fin y al cabo, son nuevas formas de vivir, visitar y disfrutar las ciudades. Aunque imagino la cara de las personas que al no tener el software apropiado en su teléfono, no pudieron ver a Darth Vader…

Flashmob de Realidad Aumentada

Curiosamente las autoridades de Amsterdam han colocado, en algunas zonas de la ciudad, señales para advertir de la prohibición de estos códigos QR de AR, será para no marginar a los que no tienen la app? o les dará miedo la superpoblación virtual?

Código QR

El pasado 30 de abril MobileArtBlog estuvo en Camon, en Alicante,  contando lo que están haciendo los artistas con el móvil. Y aquí podéis verla online.

Enseñamos algunas obras que consideramos  antecedentes de esta corriente,  proyectos de mobile art que mostrasen las muy diferentes maneras en que utilizan los artistas esta tecnología de comunicación inalámbrica, también hablamos del móvil como cuarta pantalla y mostramos algunas interesantes creaciones audiovisuales que han sido seleccionadas en festivales de cortos rodados con móvil.

Aquí podéis ver el artículo del Diario Información de Alicante y pronto estará online el vídeo de la conferencia.

Gracias a la gente de Camon!!  Esperamos volver a veros!

Camón Alicante

La próxima semana se inaugura en el Espacio de la Fundación Telefónica de Buenos Aires la muestra Geogrfías Celulares. Una exposición que reflexiona a cerca de cómo los medios portátiles y las tecnologías móviles influyen en la cultura red, y lo hace a través de una selección de obras de artistas brasileños (o viculados a este país), como por ejemplo Lucas Bambozzi, Giselle Beiguelman o el asturiano Nacho Durán.

Suite 4 Mobile Tags

La muestra estará desde el 16 de este mes hasta el 12 de diciembre, a ver si hay suerte y puedo verla…Parece que hay bastante video, algo de música utilizando lector de 2D, a primera vista no parece muy novedoso técnicamente hablando.  Habrá que verla.

Espacio