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#TheAppDateLima

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appdatelimalogoAyer estuvimos en The App Date Lima, “un espacio mensual de conexión entre ideas, investigación y creatividad sobre aplicaciones en el Perú”.

Un encuentro que surgió en España y que se ha extendido por ciudades latinoamericanas como Bogotá o Santiago, entre otras, y que desde noviembre del pasado año también se celebra en Lima. Un encuentro que nos gusta y con el que  compartimos intereses, por su contenido, su naturaleza y por su vocación de difundir en castellano (y ahora también en portugués).

En busca de aire fresco hemos cruzado el charco y hemos llegado a Lima, dónde nos invitaron a asistir a la edición de abril de The App Date Lima. Siguiendo su formato habitual, hubo varias presentaciones breves dónde diseñadores y desarrolladores muestran ideas, trabajos, proyectos…etc. y en un ambiente distendido se intercambiaron impresiones, dudas y sugerencias para el diseño y desarrollo de apps.

Ayer pasaron por el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, dónde se celebra, Jean Carlo Fukuda, quién habló de juegos y apps, la empresa de desarrollo AppsLovers, quienes comentaron sobre modelos de negocio de apps en el Perú, y por último se presentó la ponencia Rafafans, artista, director creativo y docente invitado del Instituto Toulouse Lautrec, que abordó el tema del arte y las plataformas digitales. Era la ponencia que más nos interesaba, ya que era la visión de un artista que comentaba proyectos de otros creadores que han utilizado las apps como vehículo para comunicar o crear sus trabajos. Nos dio una visión amplia, divertida y original, en el poco tiempo del que dispone cada ponente, y concluyó apuntando, entre otras cosas, lo mucho que queda por hacer en Perú en temas referentes a la creación digital y el uso de apps, lo cual nos alegra desde el punto de vista de lo que quizás podamos aportar en este sentido.

El evento terminó con un networking en los jardines del museo, con música y pisco sours, así que además del contenido pudimos conocer gente con la que compartimos inquietudes e intereses, no nos podemos quejar! muchas gracias a The App Date Lima por la invitación. Volveremos!

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Written by Lorea Iglesias

abril 8, 2014 at 6:42 pm

Lo mejor del AppArt visita México

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app art awardHace un par de años, en el 2011, el ZKM Center for Art and Media (Alemania), creó el concurso App Art Award, destinado a premiar las mejores obras de arte digital creadas a través del desarrollo de mobile apps, con el fin de impulsar, difundir y premiar la creación artística vinculada a esta tecnología.

Con una amplia selección de las mejores obras presentadas a las tres ediciones celebradas del concurso, se ha realizado una exposición itinerante que está recorrirndo diferentes países del mundo. El pasado 14 de diciembre se inauguró en el Laboratorio Arte Alameda, centro que forma parte del Instituto Nacional de Bellas Artes de México.

apps alameda

Nos parece sorprendente a la velocidad que algunas instituciones artísticas, como es el caso del ZKM, han asimilado e incorporado las creaciones artísticas vinculadas al desarrollo de aplicaciones como vehículo para explorar nuevos lenguajes de expresión o diferentes maneras de comunicar, teniendo en cuenta su corta trayectoria, recordemos que las mobile apps surgen en 2008 y será en 2009 cuando los primeros artistas comiencen a incluirlas en la lógica de sus creaciones. Ya hace más de una década que los artístas utilizan la tecnología de comunicación móvil, y aunque los primeros proyectos no tuvieron una aceptación tan clara a nivel institucional, actualmente podemos decir que el mobile art ha entrado en el circuito artístico oficial, y la creación artística que se desprende del desarrollo de aplicaciones, también.

Vídeo resumen  App Art Award 2013:

#MobileViewsBarcelona

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El móvil como espacio expositivo, la ciudad como pantalla, el QR como llave de acceso, el vídeo como reflexión, la calle como museo. 

Mobile Views Barcelona.  Una exposición online de vídeo-móvil a la que se accede a través de códigos QR colocados por la ciudad de Barcelona. Vídeo experimental rodado con móvil para ver en tu móvil cuándo, cómo y dónde quieras.

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Investigación y experimentación para comprender y analizar la comunicación móvil.

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mCommunication. Jornadas Científicas Sobre Comunicación Móvil. Del 19 al 21 de abril en la Universidad de Vic.

Hace unos días nos acercamos a Vic para asistir a estas jornadas que organizaba el grupo de investigación GRID (Grup de Recerca di Interaccions Digitals) de  la Universidad de Vic, donde se reunió un buen número de profesionales e investigadores nacionales e internacionales para presentar proyectos y debatir sobre la problemática de los nuevos modelos de comunicación móvil en el mundo y más concretamente en lo que se refiere a los contenidos y las plataformas digitales.

Se trata de un contexto que en este espacio nos interesa especialmente por cómo nos ayudan a comprender el universo móvil en general y sus aplicaciones a la cultura y el arte en particular.

El mero hecho de reunir a profesionales e investigadores para debatir ya me parece algo muy positivo, teniendo en cuenta lo rápido que van los avances respecto a este tema, lo que significa que hay poco tiempo para reflexionar sobre como afectan al conjunto de la sociedad y cómo modifica nuestro comportamiento.

Pero además, en algunas de las ponencias, se trataron temas que nos afectan directamente,  por ejemplo mMuseos: una (r)evolución comunicativa necesaria impartida por Santos M. Mateos, especializado en comunicación cultural y que nos habló de la necesidad de difundir la cultura y el papel que juegan(y posiblemente jugarán) los dispositivos móviles. También trataron temas relativos al contenido de este blog otros ponentes, como Hermes Renato Hildebrand, que nos habló de la relación entre el lenguaje, las matemáticas e instalaciones interactivas multimedia o Efraín Flogia y Jordi Sala, quienes presentaron AirCity, un proyecto de Locative Media que permite a los usuarios activar sonidos localizados en el espacio público.

Estas Jornadas contaron con otros muchos ponentes como Juan Miguel Aguado, sobre quién hemos hablado anteriormente, ya que ha coordinado una interesante publicación que comentamos aquí hace ya algún tiempo, o el experto en inteligencia artificial Ibrahim Kushchu.  Pero si os quedáis con ganas de más,  toda la información sobre cada una de las ponencias, el programa completo, la bibliografía…etc. la podéis encontrar en este completo pdf.

Virtualidad y dispositivos móviles: nuevas posibilidades expositivas

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Manuel Fernández

Los nuevos espacios expositivos virtuales amplían las posibilidades de comisarios y artistas para crear muestras sin las limitaciones habituales del circuito artístico físico. La Web se presenta como una gran plataforma donde la virtualidad nos permite crear nuevos espacios en los que llevar a cabo proyectos de comisariado, por supuesto las limitaciones no faltan, pero se diferencian de las que encontramos en la realidad física de los espacios expositivos convencionales. Las obras no se apreciarán de la misma forma y no todas tienen cabida, tampoco se disfrutan igual pero tanto artistas como comisarios encuentran en la red nuevas posibilidades para mostrar sus proyectos. Y como no, con los dispositivos móviles podemos acceder a estas nuevas galerías y museos cuando queramos y desde el lugar donde estemos en ese preciso instante.

La artista Chiara Passa ha sabido aprovechar esta circunstancia para crear The Widget Art Gallery, una “nano virtual gallery-room” creada para IPhone, iPod Touch e iPad donde se lleva a cabo mensualmente una exposición individual de arte digital. Se creó hace tan sólo unos meses y parece que, hasta el momento, los gif animados son los protagonistas de las instalaciones que han ocupado este espacio virtual expositivo creado específicamente para los dispositivos móviles de Apple.

Estas nuevas galerías virtuales irán evolucionando, posiblemente a la velocidad a la que esta tecnología nos está acostumbrando, para dar lugar a espacios mucho más flexibles, dinámicos y disfrutables donde poder exponer, difundir y aprender desde nustro propio terminal.

Personalmente me gusta mucho más darme una vuelta por una sala de exposiciones física donde ver, escuchar o leer las obras, donde resistir las ganas de acercarme más, hasta casi tocar la obra o donde interactuar de una forma más directa. Pero en las exposiciones virtuales, como usuarios, podremos entrar cuando queramos, compartirlas y acceder a la creación de una forma diferente y como creadores, podemos exponer y difundir nuestros propios proyectos. Nadie dice que haya que dejar de ver exposiciones o que no debamos seguir enviando propuestas a galerías o instituciones, podemos disfrutar de las ventajas de la virtualidad sin desmerecer lo real y viceversa.

Space Vandals, Realidad Aumentada con un punto “gamberro”

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Sucedió hace unos meses, más exactamente durante el pasado mes de marzo, sucedió en Bilbao en el marco del Festival B Awards, sucedió lo que tenía que suceder….. que la Realidad Aumentada ya está aquí, entre nosotros, y el colectivo Space Vandals invitó a los asistentes al festival a interactuar con el entorno de una forma diferente, aún original y a través de sus propios móviles.

Space Vandals

Algunas de las actividades programadas por el festival se realizaron en la Alhóndiga, antiguo almacén de vino que en la actualidad acoge un Centro Cultural, y también parte del happening tecnológico creado por este colectivo de creación e investigación, pero se pudo disfrutar también de esta exposición virtual en el exterior del museo Guggenheim Bilbao, en San Mamés y en la plaza del Teatro Arriaga.

Space Vandals creó una capa de Layar llamada Taking Over Bilbao que permitía fusionar la información virtual con los espacios físicos de la ciudad. El funcionamiento era sencillo y estaba explicado a través de carteles que se colocaron en los lugares por los que se extendía la actividad y en los que se encontraban las instrucciones necesarias para poder disfrutar de las experiencias que el colectivo proponía.

Space Vandals/ B Awards Bilbao

Las experiencias propuestas eran cuatro:

Desing needs you: “La NASA estima que en nuestra galaxia puede haber hasta 20 millones de planetas Tierra”.

Space Vandals

Football Religion: “El fútbol es la nueva religion de las masas y San Mamés su catedral”.

Space Vandals

Space Vandals: “La expresión de la calle llega al museo. Somos vándalos del espacio”.

Space Vandals

The B side: “Logo B Awards donde se ubicará un módulo de la exposición del festival”.

Space Vandals

Las obras se podían visionar utilizando la cámara de nuestro móvil 3G que podía ser Android, iPhone o Symbian y en los que previamente había que descargarse la app gratuita de Layar y después seleccionar la capa diseñada por Space Vandals llamada Talking Over Bilbao.

Durante los últimos años se han llevado a cabo diferentes acciones artísticas vinculadas ala Realidad Aumentada y en este espacio hemos dado cuenta de algunas de ellas, y es que son aún muchas las preguntas que rondan en estos creadores cuando nos plantean experiencias como la que hoy hemos comentado. El avance imparable y extremadamente rápido en el desarrollo tecnológico, y más concretamente en la tecnología de comunicación inalámbrica, a menudo no nos permite pararnos a reflexionar sobre como influye en nuestra vida y este tipo de proyectos nos permite un acercamiento abierto a esta tecnología y no sólo nos invitan a su disfrute sino que se convierten en preguntas y temas sobre los que podemos reflexionar. Los Space Vandals, a través de este happening virtual, nos trasladan cuestiones tales como, ¿de qué manera este tipo de tecnologías podrían ayudarnos a mejorar nuestra vida en la urbe? o ¿cómo responderá el espacio urbano a estas transformaciones?

El espacio virtual es de todos, por ahora…… disfrutemoslo!


	

mobile Art. experiencias móviles

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Hoy continuamos con este proyecto en el que aún estamos inmersos, Mobile Art. Experiencias móviles. Una exposición que pretende mostrar diferentes ejemplos de obras vinculadas ala comunicación móvil y que se puede ver en la Fundación Godia hasta el 20 de junio en Barcelona (prorrogada hasta el lunes 18 de julio).

Este nuevo medio se ha convertido en un objeto cultural de pleno derecho y posee unas características que facilitan el acceso a la experimentación artística digital, pero además es un medio que está introduciéndose tan rápito en nuestra vida que apenas nos paramos a pensar sus efectos, pero a través de muchas de las obras podemos llegar a ideas y reflexiones en torno tanto a los profundos cambios que está produciendo en nuestra manera de comunicarnos, como a las nuevas posibilidades que nos ofrece.

Trece artistas nos enseñan sus trabajos, y a través de ellos,  diferentes formas de utilizar este nuevo medio con características que han sido muy bien aprovechadas por estos y otros muchos creadores que buscan nuevos caminos y para los que la experimentación es el motor de sus creaciones.  Desde aquí nuestro más sincero agradecimiento por habernos acompañado, ayudado y animado en esta aventura.

Un poquito de información sobre ellos, sus obras y lo que se puede ver en la exposición:

Antoni Abad (Lleida, 1956) Licenciado en Historia del Arte, comenzó en el mundo de la creación en el terreno de la pintura pero la búsqueda de la ocupación del espacio le llevará a la experimentación escultórica con nuevos materiales. A principios de los 90 comienza a trabajar con vídeo, respondiendo a una necesidad de expresión secuencial y llevando a cabo vídeointalaciones muy ligadas al espacio. El uso de Internet será una evolución lógica en su trabajo que le llevará a convertirse en uno de los mayores exponentes del net.art en España. A partir del 2003 comienza con el proyecto zexe.net, actualmente llamado megafone.net  con el que logra en 2006 reconocimientos como el Golden Nica Digital Communities de Ars Electronica y el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña.

Obra: Megafone.net, 2004-2011

megafone.net 2004-2011

Abad nos presenta megafone.net, un dispositivo comunitario de publicación móvil en Internet en el que grupos de personas en riesgo de exclusión social y mediática expresan sus experiencias y opiniones a través del registro, mediante teléfonos móviles, de sonidos e imágenes que son automáticamente publicados en la Web del proyecto. El teléfono móvil se convierte en un megáfono digital que amplifica la voz de los grupos emisores que participan en el proyecto desde el año 2004 hasta la actualidad.

Béatrice Valentine Amrhein (Wassy, Francia, 1969) vive y trabaja entre París y Nueva York. Con una sólida formación en pintura, su preocupación experimental le lleva a buscar nuevos caminos de expresión a través de muy diferentes formatos como la pintura, la fotografía, la videocreación o las instalaciones. En sus obras, las formas, los colores y los fragmentos del cuerpo se mezclan creando poéticos y atemporales diálogos. Ha llevado a cabo diferentes trabajos en los que utiliza la tecnología móvil como herramienta, soporte y concepto que nos ayuda a reflexionar sobre los cambios comunicacionales causados por los avances tecnológicos.

Obra: TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

Amrhein utiliza el móvil como una herramienta creativa, como una extensión del cuerpo que le permite dibujar y expresarse. Esta instalación creada específicamente para la exposición nos muestra un mismo vídeo, una misma historia reproducida de forma no simultánea, lo que nos permite una percepción diferente de la obra. De esta forma la artista aborda un tema que le interesa especialmente: cómo las nuevas tecnologías, que facilitan las comunicaciones humanas, a su vez también distorsionan nuestra percepción de la distancia y del espacio.

María Cañas (Sevilla, 1972) aka “La Archivera de Sevilla”, caníbal audiovisual, cibergarrula, peliculera, salvaje mediática, zensualista…Dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación artística centrada en el reciclaje, el apropiacionismo y el crecimiento personal. Sus trabajos han sido exhibidos en numerosos festivales, galerías y eventos internacionales. Entre otros premios ha recibido en el 2007 el Prix Ibn Batuta FIAV.07-Esca del Centro Pablo Neruda de Nimes (Francia), el Premio a proyecto audiovisual Injuve 01 (Madrid) y el Premio Eurovídeo 01 (Málaga). Una frase de Bukowski que saldría de sus labios: “Cuando todo se iba al carajo, siempre estaba la poesía para salvarme el culo”.

Obra: Por un puñado de Yuanes, 2008

Por un puñado de Yuanes 2008

Por un puñado de Yuanes es un periplo al corazón de Shanghai para descubrir los misterios de la venta ambulante clandestina de películas eróticas chinas; una crítica a la represión sexual de la población y a la prostitución infantil. Trata sobre la hipocresía, la obsesión consumista del turista occidental y su pasión por el give me two. Es una confrontación entre dos formas radicalmente diferentes de entender la vida y el erotismo por medio de un surrealista toma y daca monetario. Un delirante y surrealista viaje de una occidental grillada (¡¡¡sí, amigos, servidora!!!) abriéndose paso a través de la muralla de rostros chinos para encontrar El Santo Grial del erotismo chino, dvd´s mediante… La consigna es “Give me dividiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!”.

Javier Castañeda (Madrid, 1967) De espíritu viajero e incansable observador de núcleos urbanos, Javier Castañeda cambió el mundo de la abogacía por el periodismo y durante los últimos 15 años ha trabajado en proyectos de Internet para medios como Telemadrid, Grupo Correo o Baquía.com. Ahora dirige el área de Tecnología y Cibercultura de Casa Asia, y es blogger en El País y en La Vanguardia.

Obra: Micrografías, 2004-2011

Micrografías 2004-2011

Micrografías muestra el recorrido de Javier Castañeda por las principales urbes del mundo desde el año 2003 hasta la actualidad. Un tránsito a vista de móvil de Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Seúl o Shangai del que el autor nos presenta una selección de micropostales neonómadas que, a modo de pinceladas, reconstruyen la caleidoscópica imagen de una sociedad desestructurada.

Álvaro Collar (Madrid, 1981). Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y diplomado en Cinematografía por la Escuela de Cine de Brighton. Es miembro fundador del colectivo de videoarte Haz! y ha desarrollado residencias artísticas tanto en España como en el extranjero. En la actualidad estudia el doctorado en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica en la Universidad Complutense de Madrid y trabaja como profesor de videoarte y cinematografía para instituciones como ECAM, Phoenix Brighton o Blank Studios. Sus trabajos se han expuesto en diferentes centros y festivales como Medialab Madrid, WMM Cup de Corea del Sur, Mobilefest de Sao Paulo, Microfilms Lisboa y el espacio NIU de Barcelona entre otros.

Obras:

Mirage, 2009
Pranayama, 2010
9th Room, (con la actriz japonesa Yurika Kodama) 2011
The Myriad Souls of Light, 2011

Pranayama (2010)

Una de las constantes de la obra de Álvaro Collar es su interés por tratar de reconciliar el lenguaje cinematográfico con la libertad de experimentación propia del videoarte. Parte de esa búsqueda experimental se ha dirigido hacia la práctica con todo tipo de cámaras para la producción de sus piezas, incluyendo las de los teléfonos móviles.  En sus propias palabras, “si la idea es suficientemente buena, y si la calidad y propiedades del video son usadas con cuidado, el vídeo puede funcionar como videocreación”.

Pere Cortacans (Barcelona, 1967) estudió arquitectura en E.T.S.A. Barcelona (1985-1992), Diseño industrial en Domus Academy Milan y fotografía en IDEP (2003). Sus obras de arquitectura e interiorismo han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales. Ganó el Primer Premio del concurso de Fotografía digital para arquitectos organizado por el Colegio de Arquitectos de Catalunya. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas de fotografía, como Work In Progress en la Galería Tagomago de Barcelona. Sus fotos han sido publicadas en revistas como Time-out, Trendsetter o Maviology. Enseña técnicas de fotografía digital para arquitectos en la diplomatura DALF de la Universidad Pompeu Fabra y en varios cursos de Postgrado de la Escola Sert.

Obras:
365 Days of phone.tography. 2009-2010
DeChromaMe. 2011

365 Days of phone.tography. 2009-2010

365 Days of Phone.tography: [sustantivo-transitivo, plural, inglés]: dícese del hecho de grafiar la vida cotidiana día a día, con la única ayuda de la cámara fotográfica de un teléfono móvil.
DeChromaMe, cortometraje experimental que conduce al observador, con la ayuda de un ejercicio estilístico basado en una serie de derivaciones cromáticas, a analizar la relación entre el sujeto y el estado de ánimo del espacio que lo rodea. Un espacio caracterizado por un estado de ánimo diáfano pierde sus propiedades iniciales para convertirse en focalizado, inquietante, obscuro, latente, brillante, cálido, penetrante, transitorio, deambulante, sórdido, en expansión…y vuelta a empezar.

Anaisa Franco (Brasil, 1981) (VI Premio ARCO Madrid/BEEP de Arte Electrónico 2011), es licenciada en artes visuales por la Fundaçao Armando Álvares Penteado de Sao Paulo y Máster en Digital Art and Technology por la Universidad de Plymouth, UK. Durante el año 2010 realizó residencias en el Centro de Producción de Barcelona Hangar y en el Centro Taipei Artist Village en Taiwan. Sus esculturas robóticas vinculan y conectan la tecnología y lo digital con características propiamente humanas como la imaginación o la memoria logrando así suscitar inesperadas experiencias en el visitante. Sus creaciones han sido expuestas en numerosos centros de arte, museos, galerías y festivales de Europa, Asia y América.

Obra:

Connected Memories, 2008

Connected Memories 2008

Instalación que gira en torno a temas como la memoria, los recuerdos, los sentimientos y la comunicación. La parte audiovisual de la obra se alimenta de una base de datos construida en parte gracias a las aportaciones vía Bluetooth de aquellas personas que, en una primera fase de exhibición, quisieron interactuar con ella. La inserción de estas imágenes en el conjunto de esta instalación, de fuerte presencia y carga simbólica, abre innumerables puertas al diálogo entre la obra, el espectador y el espacio que los acoge.

Andrés Duque (Caracas, 1972). Estudió periodismo en la Universidad Central de Venezuela. En 1994 se incorpora a la división latinoamericana de la cadena de televisión HBO como guionista y realizador de reportajes sobre cine. En el año 2000 se muda a Barcelona donde cursa un Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo en la Universidad Autónoma de Barcelona. Actualmente trabaja como realizador, programador de cine y docente.

Obras:
Life Between Worlds not in Fixed Reality, 2008
El Centro del Universo, 2008

El Centro del Universo (2008)

En Life Between Worlds not in Fixed Reality y El Centro del Universo Andrés Duque aprovecha la agilidad del móvil para iniciar recorridos que, partiendo de un momento de la realidad, van cargándose de sugerencias, conexiones y posibles lecturas hasta acabar conformando una verdadera invitación a renovar nuestra mirada sobre el mundo.
Ambos trabajos formaron parte del proyecto “La mano que mira” iniciado por el Festival de cine documental de Navarra, Punto de Vista.

David de Haro (Barakaldo, 1972) Profesional de la fotografía en prensa y en otros ámbitos, emprende el proyecto iPhonegrafías en el 2010 como una manera de recuperar la pasión por la práctica fotográfica. Una selección de su trabajo ha sido expuesta este mismo año en la sala Black Box de Bilbao.

Obra: iPhonegrafías, 2010

iPhonegrafías 2010-2011

David de Haro utiliza el móvil como una herramienta que le posibilita profundizar en la espontaneidad y la libertad de acción como bases de su trabajo fotográfico. En este sentido el móvil, no sólo le permite una captura disimulada y casi inmediata del momento, sino también almacenar, editar y publicar con una facilidad y velocidad antes impensable. Todo lo necesario para poder centrarse en capturar los instantes de poesía que le ofrece la realidad con la que se topa en la cotidianidad del día a día.

Olga Kisseleva (San Petesburgo, 1965) pertenece a la primera generación de artistas rusas surgida después de la Perestroika de la que es una de las representantes más destacadas e internacionales. Durante la década de los años 90 y gracias a la Fundación Fulbright viajó a Estados Unidos para realizar su trabajo de investigación vinculado al desarrollo de las tecnologías digitales. Actualmente reside en París, donde ejerce su actividad artística y docente. Ha expuesto en los museos y ferias de arte contemporáneo más destacadas del panorama del arte actual.

Obra: CrossWorlds, 2011

CrossWorld – Evidence 2011

CrossWorlds refleja el interés de la artista por lo que políticamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Kisseleva se sirve de la tecnología móvil y de los códigos QR para proponernos la traducción en tiempo real y a forma textual de la información subliminal que se esconde tras las imágenes.

Bruno Peláez (Ciudad de México, 1980) define como realizador audiovisual, etiqueta bajo la que agrupa una amplia y heterogénea actividad creativa que incluye piezas de videoarte, animación, interactivos o cortometrajes. Actualmente alterna su tiempo entre proyectos comerciales y artísticos.

Obra: Catrina’s Afternoon, 2011

Catrina`s Afternoon 2011

Catrina’s Afternoon, obra realizada para el concurso N8 Producers de Nokia, ilustra perfectamente las actuales posibilidades técnicas de la producción audiovisual con móviles. En ella “La Catrina”, figura creada por José Guadalupe Posada y que se ha convertido en un personaje importante del folclore mejicano, nos acompaña en un recorrido que plasma una mirada crítica y personal hacia la ciudad de Barcelona.

Kenneth Russo (Llambilles, Girona, 1976) Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Barcelona, Kenneth Russo es un artista visual interesado en la comunicación, el juego y las nuevas tecnologías en su vertiente más social. Su trabajo, que se despliega en diversos formatos como el vídeo, las instalaciones, las aplicaciones informáticas o el dibujo, nace de la participación con otros creadores y de las interrelaciones locales.

Obra: ADD ME, 2011

add me 2011

ADD ME es un video que, a través de una filmación cotidiana realizada con un móvil, reflexiona en tono poético sobre la libertad que experimenta el usuario en la red. Concretamente ante el fenómeno de las redes sociales. En un espacio social global, ¿hay lugar para aquellos no-usuarios de las redes sociales? ¿Hay forma de escapar de las inercias colectivas? ¿Estamos condenados a asociarnos? ¿Es la red un espacio en donde volar sin compañía? La etiqueta del 2.0, ¿hace referencia a la calidad o a la cantidad? ¿Qué se esconde tras esta voluntad de querer agregarse al grupo? Add me, agrégame, hazme de tu grupo… ¿Quién va detrás de quién?

Txalo Toloza-Fernández (Antofagasta, Chile, 1975)  se forma como creador audiovisual en Santiago de Chile y Barcelona, en donde reside y trabaja desde 1997. En el 2005 crea el estudio audiovisual MiPrimerDrop. Videoartista, performer y vj, ha especializado su trabajo en la creación audiovisual dirigida a las artes escénicas y a los lives. Entre otros festivales, sus piezas han sido proyectadas en ARCO, “Panorama” de Olot, los festivales Grec, Loop y Sonar de Barcelona, “Il Coreografo Electronico” de Nápoles, “Wiener Festwochen” de Viena, “KunstenFestivalDesarts” de Bruselas y “Crossing Festival” de Beijing.

Obras:
Siguiendo a un Desconocido por la Calle, 2010.
Conoces la Banda Sonora de tu Generación, 2010.
Trópico 1, 2011


Txalo Toloza-Fernández crea piezas audiovisuales de marcado carácter experimental en las que aprovecha características propias de la tecnología móvil, como la portabilidad o la inmediatez, de forma totalmente espontánea y natural. Sus videocreaciones nos muestran historias que, a través del sentido del humor y de las vivencias personales, nos atrapan a la vez que nos hacen cómplices de sus acciones.

Además de estas obras y artistas en Mobile Art. Experiencias móviles podemos ver vídeos que registran proyectos interactivos y/o performáticos que se han llevado a cabo y que nos interesaba mostrar como ejemplo de otros usos de este medio por parte de los artistas. Esta selección está compuesta por las siguientes obras:

SMSlingshot2008 del colectivo VR/URBAN

Gravity 2010 de Julien Gachadoat

The Urban Speaker2010 de Carlos J. Gómez de Llanera

Mobile Crash2009 de Lucas Bambozzi

Light Frequency Fingertips2009 de Robert Mathy

Cell Phone Booth2002 de Nick Rodrigues

Algunas fotos de la exposición:

Connected Memories 2008

365 Days of phone.tography 2009-2010


viendo y escuchando

experiencias móviles