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App Art Award 2014_ las mejores apps de la creatividad artística

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Actualmente podemos afirmar que el ZKM de Karlsruhe se ha atrevido a ser pionero una vez más. Siento que es un gran avance que un centro tan importante apueste por la creatividad en forma de app, de hecho ya lleva 4 años apostando, pero al fin y al cabo, acciones como esta son las que lo convierten en uno de los mejores lugares para difundir y estudiar el arte ligado a las tecnologías más recientes (ya nos cansamos un poco de definir los medios actuales como “nuevos medios”).

El pasado julio se eligieron las mejores obras de arte digital creadas a través del desarrollo de mobile apps en la cuarta edición de App Art Award, así que aquí os contamos las elegidas por el jurado, en las cuatro categorías a concurso, para llevarse el premio de 10.000 (sin duda un buen incentivo para creadores que trabajan en obras que aún podemos decir que no pertenecen al circuito comercial artístico imperante).

Categorías y Apps ganadoras:

Artistic Innovation_Innovación Artística

Last Clock, una app creada por Jussi Ängeslevä y Ross Cooper que existía hace años en forma de instalación pero han trasladado al formato app, y con muy buen resultado. Una pantalla que muestra una memoria visual de los últimos 60 segundos y las últimas 12 horas en un bucle sin fin. Un dispositivo ambiental que dibuja el tiempo. Circular como un típico reloj analógico, también funciona a tres bandas: segundos, minutos y horas. Definitivamente es nuestra preferida.

Sound Art_Arte Sonoro

Geometric Music, una app de Gaëtan Libertiaux y Gaél Bertrand que permite crear ritmos por capas utilizando formas geométricas. Un software sencillo que permite una fácil manipulación que nos deja manipular el ritmo, la velocidad y el volumen. Las formas geométricos nos permiten una creación muy intuitiva acorde con la lógica de los dispositivos que utilizamos para disfrutarla.

 

Art Crowd_ Arte para multiusuarios y/o espacio público

Lascatuna app creada por Alexander Rechberg, David Murmann, Michael König, Adrian Rennertz y Daniel Becker, nos permite dirigir un haz de luz sobre una superficie, una pared o un edificio, de forma colaborativa entre diferentes usuarios, ya que uno de ellos, elegido de forma aleatoria, se convierten durante un tiempo determinado en el que dirige la trayectoria del haz de luz a utilizando su smartphone a modo de joystick, hasta que el turno pasa a otro usuario. De esta forma se crea una instalación interactiva de forma colectiva y en tiempo real, por lo que el resultado estético, creado a partir del movimiento y colorido de las líneas, está en constante e impredecible evolución.

 

Art + Science_Arte y Ciencia

El premio en esta categoría fue para la app Sablo, creada por Ernst Uys, que “explora la frontera nebulosa entre el caos y el orden” a través de la interacción con formas basadas en el triángulo, en el hexágono y en el cuadrado. Los movimientos de las formas se crean a partir del modelo “del montón de arena de Bak-Tang-Wiesenfeld” (explicación de esta paradoja científica). Es una experiencia hipnótica, adictiva y divertida. Normalmente uno se enfrenta a estas apps con la intuición de que no puede entretenernos o sorprendernos por mucho tiempo, pero no es este el caso.

 

Dejaremos para otro día las apps que se quedaron a las puertas de obtener el premio, las apps finalistas….

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Sensaciones aumentadas con MixPerceptions

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MixPerceptions, una instalación interactiva creada a partir de dos obras pictóricas donde los usuarios pueden interactuar utilizando un dispositivo móvil y que estará expuesta en el FAD de Barcelona hasta el 28 de octubre, en el marco de ACM Multimedia 2013 Art Exhibition.

La instalación está compuesta por dos lienzos figurativos y muy coloristas frente a los que se sitúa el usuario para comenzar la interacción. Los creadores han desarrollado una app, (por el momento es sólo para dispositivos con sistema operativo IOS), que tras descargarla y colocarnos unos cascos, nos permite disfrutar las obras pictóricas de forma diferente, ya que a través de la incorporación de sonidos y de la utilización de la Realidad Aumentada, las dos pinturas que componen la instalación se llenan de vida, de sutiles movimientos y sonidos que aumentan nuestras sensaciones y transforman nuestra experiencia frente a la obra.

MixPerceptions es una obra inspirada en la sinestesia, que logra de manera elegante y natural aunar la experiencia visual y auditiva a través de la incorporación de sonidos y animación artesanal. Los creadores utilizan la AR de forma que la información adicional verdaderamente aumenta nuestras sensaciones y curiosamente, de alguna manera, nos aleja de la realidad.

La instalación es el resultado del trabajo de un grupo interdisciplinar y muy completo formado por Matylda Szmukier, Juan Pablo Carrascal, José San Pedro y Aurelio San Pedro.

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buscando lo específico

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Mobile Art Lab se creó en el año 2008 en Japón con la buena intención de ser un laboratorio para crear y difundir contenidos y enfoques visuales adecuados a las características y posibilidades que esta herramienta nos proporciona. Contenidos específicos y artísticos que lleven implícitos ciertos valores educativos eran los principales objetivos de este Lab que llevó a cabo tres proyectos propios además de difundir algunos más.

Crear métodos visuales de producción de contenidos específicos para el móvil es una necesidad natural que debía surgir tras utilizar durante años contenidos que mayoritariamente eran creados para Internet y que se adaptaban a los usos y formatos móviles pero de los que no siempre se podía disfrutar de la misma manera que en la pantalla de un ordenador.

Dos de los proyectos que se llevaron a cabo y se promovieron desde el Mobile Art Lab fueron creados ambos en el 2010 y a partir de app para utilizar en iPhone:

iButterfly es una aplicación que utiliza la Realidad Aumentada (AR), el acelerómetro y las funciones de GPS del móvil y se trata de un juego social (social game) que consiste en capturar diferentes tipos de mariposas creadas con AR, las cuales van acompañadas de información y diferentes contenidos, además de proporcionar una especie de cupones descuento que se consiguen capturando todas estas mariposas virtuales que cubren el cielo de Japón. La captura, gracias al sensor de movimiento que llevan incorporados los teléfonos móviles, se realiza a través de un gesto físico, un movimiento de nuestro brazo que atrapa la mariposa con el móvil, que en este caso sustituye a nuestra mano. Imposible no pensar en las extensiones del cuerpo de las que hablaba McLuhan.

PhoneBook, otro de los proyectos creados desde este Lab, es un interesante híbrido compuesto por un libro (más exactamente un cuento infantil) y por una aplicación de contenido audiovisual. Como resultado de esta mezcla entre lo analógico y lo digital surge PhoneBook, creado para que los padres e hijos interactúen juntos con la aplicación y compartan el tiempo y el uso del móvil. Este último concepto me interesa especialmente ya que no es común encontrar aplicaciones creadas para que dos o más personas compartan una misma pantalla de móvil, lo cual tiene su lógica debido al reducido tamaño de éstas, pero que resulta muy apropiado en este caso al tratarse de una aplicación pensada para ser compartida por padres e hijos.

Space Vandals, Realidad Aumentada con un punto “gamberro”

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Sucedió hace unos meses, más exactamente durante el pasado mes de marzo, sucedió en Bilbao en el marco del Festival B Awards, sucedió lo que tenía que suceder….. que la Realidad Aumentada ya está aquí, entre nosotros, y el colectivo Space Vandals invitó a los asistentes al festival a interactuar con el entorno de una forma diferente, aún original y a través de sus propios móviles.

Space Vandals

Algunas de las actividades programadas por el festival se realizaron en la Alhóndiga, antiguo almacén de vino que en la actualidad acoge un Centro Cultural, y también parte del happening tecnológico creado por este colectivo de creación e investigación, pero se pudo disfrutar también de esta exposición virtual en el exterior del museo Guggenheim Bilbao, en San Mamés y en la plaza del Teatro Arriaga.

Space Vandals creó una capa de Layar llamada Taking Over Bilbao que permitía fusionar la información virtual con los espacios físicos de la ciudad. El funcionamiento era sencillo y estaba explicado a través de carteles que se colocaron en los lugares por los que se extendía la actividad y en los que se encontraban las instrucciones necesarias para poder disfrutar de las experiencias que el colectivo proponía.

Space Vandals/ B Awards Bilbao

Las experiencias propuestas eran cuatro:

Desing needs you: “La NASA estima que en nuestra galaxia puede haber hasta 20 millones de planetas Tierra”.

Space Vandals

Football Religion: “El fútbol es la nueva religion de las masas y San Mamés su catedral”.

Space Vandals

Space Vandals: “La expresión de la calle llega al museo. Somos vándalos del espacio”.

Space Vandals

The B side: “Logo B Awards donde se ubicará un módulo de la exposición del festival”.

Space Vandals

Las obras se podían visionar utilizando la cámara de nuestro móvil 3G que podía ser Android, iPhone o Symbian y en los que previamente había que descargarse la app gratuita de Layar y después seleccionar la capa diseñada por Space Vandals llamada Talking Over Bilbao.

Durante los últimos años se han llevado a cabo diferentes acciones artísticas vinculadas ala Realidad Aumentada y en este espacio hemos dado cuenta de algunas de ellas, y es que son aún muchas las preguntas que rondan en estos creadores cuando nos plantean experiencias como la que hoy hemos comentado. El avance imparable y extremadamente rápido en el desarrollo tecnológico, y más concretamente en la tecnología de comunicación inalámbrica, a menudo no nos permite pararnos a reflexionar sobre como influye en nuestra vida y este tipo de proyectos nos permite un acercamiento abierto a esta tecnología y no sólo nos invitan a su disfrute sino que se convierten en preguntas y temas sobre los que podemos reflexionar. Los Space Vandals, a través de este happening virtual, nos trasladan cuestiones tales como, ¿de qué manera este tipo de tecnologías podrían ayudarnos a mejorar nuestra vida en la urbe? o ¿cómo responderá el espacio urbano a estas transformaciones?

El espacio virtual es de todos, por ahora…… disfrutemoslo!


	

mobile Art. experiencias móviles

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Hoy continuamos con este proyecto en el que aún estamos inmersos, Mobile Art. Experiencias móviles. Una exposición que pretende mostrar diferentes ejemplos de obras vinculadas ala comunicación móvil y que se puede ver en la Fundación Godia hasta el 20 de junio en Barcelona (prorrogada hasta el lunes 18 de julio).

Este nuevo medio se ha convertido en un objeto cultural de pleno derecho y posee unas características que facilitan el acceso a la experimentación artística digital, pero además es un medio que está introduciéndose tan rápito en nuestra vida que apenas nos paramos a pensar sus efectos, pero a través de muchas de las obras podemos llegar a ideas y reflexiones en torno tanto a los profundos cambios que está produciendo en nuestra manera de comunicarnos, como a las nuevas posibilidades que nos ofrece.

Trece artistas nos enseñan sus trabajos, y a través de ellos,  diferentes formas de utilizar este nuevo medio con características que han sido muy bien aprovechadas por estos y otros muchos creadores que buscan nuevos caminos y para los que la experimentación es el motor de sus creaciones.  Desde aquí nuestro más sincero agradecimiento por habernos acompañado, ayudado y animado en esta aventura.

Un poquito de información sobre ellos, sus obras y lo que se puede ver en la exposición:

Antoni Abad (Lleida, 1956) Licenciado en Historia del Arte, comenzó en el mundo de la creación en el terreno de la pintura pero la búsqueda de la ocupación del espacio le llevará a la experimentación escultórica con nuevos materiales. A principios de los 90 comienza a trabajar con vídeo, respondiendo a una necesidad de expresión secuencial y llevando a cabo vídeointalaciones muy ligadas al espacio. El uso de Internet será una evolución lógica en su trabajo que le llevará a convertirse en uno de los mayores exponentes del net.art en España. A partir del 2003 comienza con el proyecto zexe.net, actualmente llamado megafone.net  con el que logra en 2006 reconocimientos como el Golden Nica Digital Communities de Ars Electronica y el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña.

Obra: Megafone.net, 2004-2011

megafone.net 2004-2011

Abad nos presenta megafone.net, un dispositivo comunitario de publicación móvil en Internet en el que grupos de personas en riesgo de exclusión social y mediática expresan sus experiencias y opiniones a través del registro, mediante teléfonos móviles, de sonidos e imágenes que son automáticamente publicados en la Web del proyecto. El teléfono móvil se convierte en un megáfono digital que amplifica la voz de los grupos emisores que participan en el proyecto desde el año 2004 hasta la actualidad.

Béatrice Valentine Amrhein (Wassy, Francia, 1969) vive y trabaja entre París y Nueva York. Con una sólida formación en pintura, su preocupación experimental le lleva a buscar nuevos caminos de expresión a través de muy diferentes formatos como la pintura, la fotografía, la videocreación o las instalaciones. En sus obras, las formas, los colores y los fragmentos del cuerpo se mezclan creando poéticos y atemporales diálogos. Ha llevado a cabo diferentes trabajos en los que utiliza la tecnología móvil como herramienta, soporte y concepto que nos ayuda a reflexionar sobre los cambios comunicacionales causados por los avances tecnológicos.

Obra: TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

Amrhein utiliza el móvil como una herramienta creativa, como una extensión del cuerpo que le permite dibujar y expresarse. Esta instalación creada específicamente para la exposición nos muestra un mismo vídeo, una misma historia reproducida de forma no simultánea, lo que nos permite una percepción diferente de la obra. De esta forma la artista aborda un tema que le interesa especialmente: cómo las nuevas tecnologías, que facilitan las comunicaciones humanas, a su vez también distorsionan nuestra percepción de la distancia y del espacio.

María Cañas (Sevilla, 1972) aka “La Archivera de Sevilla”, caníbal audiovisual, cibergarrula, peliculera, salvaje mediática, zensualista…Dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación artística centrada en el reciclaje, el apropiacionismo y el crecimiento personal. Sus trabajos han sido exhibidos en numerosos festivales, galerías y eventos internacionales. Entre otros premios ha recibido en el 2007 el Prix Ibn Batuta FIAV.07-Esca del Centro Pablo Neruda de Nimes (Francia), el Premio a proyecto audiovisual Injuve 01 (Madrid) y el Premio Eurovídeo 01 (Málaga). Una frase de Bukowski que saldría de sus labios: “Cuando todo se iba al carajo, siempre estaba la poesía para salvarme el culo”.

Obra: Por un puñado de Yuanes, 2008

Por un puñado de Yuanes 2008

Por un puñado de Yuanes es un periplo al corazón de Shanghai para descubrir los misterios de la venta ambulante clandestina de películas eróticas chinas; una crítica a la represión sexual de la población y a la prostitución infantil. Trata sobre la hipocresía, la obsesión consumista del turista occidental y su pasión por el give me two. Es una confrontación entre dos formas radicalmente diferentes de entender la vida y el erotismo por medio de un surrealista toma y daca monetario. Un delirante y surrealista viaje de una occidental grillada (¡¡¡sí, amigos, servidora!!!) abriéndose paso a través de la muralla de rostros chinos para encontrar El Santo Grial del erotismo chino, dvd´s mediante… La consigna es “Give me dividiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!”.

Javier Castañeda (Madrid, 1967) De espíritu viajero e incansable observador de núcleos urbanos, Javier Castañeda cambió el mundo de la abogacía por el periodismo y durante los últimos 15 años ha trabajado en proyectos de Internet para medios como Telemadrid, Grupo Correo o Baquía.com. Ahora dirige el área de Tecnología y Cibercultura de Casa Asia, y es blogger en El País y en La Vanguardia.

Obra: Micrografías, 2004-2011

Micrografías 2004-2011

Micrografías muestra el recorrido de Javier Castañeda por las principales urbes del mundo desde el año 2003 hasta la actualidad. Un tránsito a vista de móvil de Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Seúl o Shangai del que el autor nos presenta una selección de micropostales neonómadas que, a modo de pinceladas, reconstruyen la caleidoscópica imagen de una sociedad desestructurada.

Álvaro Collar (Madrid, 1981). Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y diplomado en Cinematografía por la Escuela de Cine de Brighton. Es miembro fundador del colectivo de videoarte Haz! y ha desarrollado residencias artísticas tanto en España como en el extranjero. En la actualidad estudia el doctorado en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica en la Universidad Complutense de Madrid y trabaja como profesor de videoarte y cinematografía para instituciones como ECAM, Phoenix Brighton o Blank Studios. Sus trabajos se han expuesto en diferentes centros y festivales como Medialab Madrid, WMM Cup de Corea del Sur, Mobilefest de Sao Paulo, Microfilms Lisboa y el espacio NIU de Barcelona entre otros.

Obras:

Mirage, 2009
Pranayama, 2010
9th Room, (con la actriz japonesa Yurika Kodama) 2011
The Myriad Souls of Light, 2011

Pranayama (2010)

Una de las constantes de la obra de Álvaro Collar es su interés por tratar de reconciliar el lenguaje cinematográfico con la libertad de experimentación propia del videoarte. Parte de esa búsqueda experimental se ha dirigido hacia la práctica con todo tipo de cámaras para la producción de sus piezas, incluyendo las de los teléfonos móviles.  En sus propias palabras, “si la idea es suficientemente buena, y si la calidad y propiedades del video son usadas con cuidado, el vídeo puede funcionar como videocreación”.

Pere Cortacans (Barcelona, 1967) estudió arquitectura en E.T.S.A. Barcelona (1985-1992), Diseño industrial en Domus Academy Milan y fotografía en IDEP (2003). Sus obras de arquitectura e interiorismo han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales. Ganó el Primer Premio del concurso de Fotografía digital para arquitectos organizado por el Colegio de Arquitectos de Catalunya. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas de fotografía, como Work In Progress en la Galería Tagomago de Barcelona. Sus fotos han sido publicadas en revistas como Time-out, Trendsetter o Maviology. Enseña técnicas de fotografía digital para arquitectos en la diplomatura DALF de la Universidad Pompeu Fabra y en varios cursos de Postgrado de la Escola Sert.

Obras:
365 Days of phone.tography. 2009-2010
DeChromaMe. 2011

365 Days of phone.tography. 2009-2010

365 Days of Phone.tography: [sustantivo-transitivo, plural, inglés]: dícese del hecho de grafiar la vida cotidiana día a día, con la única ayuda de la cámara fotográfica de un teléfono móvil.
DeChromaMe, cortometraje experimental que conduce al observador, con la ayuda de un ejercicio estilístico basado en una serie de derivaciones cromáticas, a analizar la relación entre el sujeto y el estado de ánimo del espacio que lo rodea. Un espacio caracterizado por un estado de ánimo diáfano pierde sus propiedades iniciales para convertirse en focalizado, inquietante, obscuro, latente, brillante, cálido, penetrante, transitorio, deambulante, sórdido, en expansión…y vuelta a empezar.

Anaisa Franco (Brasil, 1981) (VI Premio ARCO Madrid/BEEP de Arte Electrónico 2011), es licenciada en artes visuales por la Fundaçao Armando Álvares Penteado de Sao Paulo y Máster en Digital Art and Technology por la Universidad de Plymouth, UK. Durante el año 2010 realizó residencias en el Centro de Producción de Barcelona Hangar y en el Centro Taipei Artist Village en Taiwan. Sus esculturas robóticas vinculan y conectan la tecnología y lo digital con características propiamente humanas como la imaginación o la memoria logrando así suscitar inesperadas experiencias en el visitante. Sus creaciones han sido expuestas en numerosos centros de arte, museos, galerías y festivales de Europa, Asia y América.

Obra:

Connected Memories, 2008

Connected Memories 2008

Instalación que gira en torno a temas como la memoria, los recuerdos, los sentimientos y la comunicación. La parte audiovisual de la obra se alimenta de una base de datos construida en parte gracias a las aportaciones vía Bluetooth de aquellas personas que, en una primera fase de exhibición, quisieron interactuar con ella. La inserción de estas imágenes en el conjunto de esta instalación, de fuerte presencia y carga simbólica, abre innumerables puertas al diálogo entre la obra, el espectador y el espacio que los acoge.

Andrés Duque (Caracas, 1972). Estudió periodismo en la Universidad Central de Venezuela. En 1994 se incorpora a la división latinoamericana de la cadena de televisión HBO como guionista y realizador de reportajes sobre cine. En el año 2000 se muda a Barcelona donde cursa un Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo en la Universidad Autónoma de Barcelona. Actualmente trabaja como realizador, programador de cine y docente.

Obras:
Life Between Worlds not in Fixed Reality, 2008
El Centro del Universo, 2008

El Centro del Universo (2008)

En Life Between Worlds not in Fixed Reality y El Centro del Universo Andrés Duque aprovecha la agilidad del móvil para iniciar recorridos que, partiendo de un momento de la realidad, van cargándose de sugerencias, conexiones y posibles lecturas hasta acabar conformando una verdadera invitación a renovar nuestra mirada sobre el mundo.
Ambos trabajos formaron parte del proyecto “La mano que mira” iniciado por el Festival de cine documental de Navarra, Punto de Vista.

David de Haro (Barakaldo, 1972) Profesional de la fotografía en prensa y en otros ámbitos, emprende el proyecto iPhonegrafías en el 2010 como una manera de recuperar la pasión por la práctica fotográfica. Una selección de su trabajo ha sido expuesta este mismo año en la sala Black Box de Bilbao.

Obra: iPhonegrafías, 2010

iPhonegrafías 2010-2011

David de Haro utiliza el móvil como una herramienta que le posibilita profundizar en la espontaneidad y la libertad de acción como bases de su trabajo fotográfico. En este sentido el móvil, no sólo le permite una captura disimulada y casi inmediata del momento, sino también almacenar, editar y publicar con una facilidad y velocidad antes impensable. Todo lo necesario para poder centrarse en capturar los instantes de poesía que le ofrece la realidad con la que se topa en la cotidianidad del día a día.

Olga Kisseleva (San Petesburgo, 1965) pertenece a la primera generación de artistas rusas surgida después de la Perestroika de la que es una de las representantes más destacadas e internacionales. Durante la década de los años 90 y gracias a la Fundación Fulbright viajó a Estados Unidos para realizar su trabajo de investigación vinculado al desarrollo de las tecnologías digitales. Actualmente reside en París, donde ejerce su actividad artística y docente. Ha expuesto en los museos y ferias de arte contemporáneo más destacadas del panorama del arte actual.

Obra: CrossWorlds, 2011

CrossWorld – Evidence 2011

CrossWorlds refleja el interés de la artista por lo que políticamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Kisseleva se sirve de la tecnología móvil y de los códigos QR para proponernos la traducción en tiempo real y a forma textual de la información subliminal que se esconde tras las imágenes.

Bruno Peláez (Ciudad de México, 1980) define como realizador audiovisual, etiqueta bajo la que agrupa una amplia y heterogénea actividad creativa que incluye piezas de videoarte, animación, interactivos o cortometrajes. Actualmente alterna su tiempo entre proyectos comerciales y artísticos.

Obra: Catrina’s Afternoon, 2011

Catrina`s Afternoon 2011

Catrina’s Afternoon, obra realizada para el concurso N8 Producers de Nokia, ilustra perfectamente las actuales posibilidades técnicas de la producción audiovisual con móviles. En ella “La Catrina”, figura creada por José Guadalupe Posada y que se ha convertido en un personaje importante del folclore mejicano, nos acompaña en un recorrido que plasma una mirada crítica y personal hacia la ciudad de Barcelona.

Kenneth Russo (Llambilles, Girona, 1976) Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Barcelona, Kenneth Russo es un artista visual interesado en la comunicación, el juego y las nuevas tecnologías en su vertiente más social. Su trabajo, que se despliega en diversos formatos como el vídeo, las instalaciones, las aplicaciones informáticas o el dibujo, nace de la participación con otros creadores y de las interrelaciones locales.

Obra: ADD ME, 2011

add me 2011

ADD ME es un video que, a través de una filmación cotidiana realizada con un móvil, reflexiona en tono poético sobre la libertad que experimenta el usuario en la red. Concretamente ante el fenómeno de las redes sociales. En un espacio social global, ¿hay lugar para aquellos no-usuarios de las redes sociales? ¿Hay forma de escapar de las inercias colectivas? ¿Estamos condenados a asociarnos? ¿Es la red un espacio en donde volar sin compañía? La etiqueta del 2.0, ¿hace referencia a la calidad o a la cantidad? ¿Qué se esconde tras esta voluntad de querer agregarse al grupo? Add me, agrégame, hazme de tu grupo… ¿Quién va detrás de quién?

Txalo Toloza-Fernández (Antofagasta, Chile, 1975)  se forma como creador audiovisual en Santiago de Chile y Barcelona, en donde reside y trabaja desde 1997. En el 2005 crea el estudio audiovisual MiPrimerDrop. Videoartista, performer y vj, ha especializado su trabajo en la creación audiovisual dirigida a las artes escénicas y a los lives. Entre otros festivales, sus piezas han sido proyectadas en ARCO, “Panorama” de Olot, los festivales Grec, Loop y Sonar de Barcelona, “Il Coreografo Electronico” de Nápoles, “Wiener Festwochen” de Viena, “KunstenFestivalDesarts” de Bruselas y “Crossing Festival” de Beijing.

Obras:
Siguiendo a un Desconocido por la Calle, 2010.
Conoces la Banda Sonora de tu Generación, 2010.
Trópico 1, 2011


Txalo Toloza-Fernández crea piezas audiovisuales de marcado carácter experimental en las que aprovecha características propias de la tecnología móvil, como la portabilidad o la inmediatez, de forma totalmente espontánea y natural. Sus videocreaciones nos muestran historias que, a través del sentido del humor y de las vivencias personales, nos atrapan a la vez que nos hacen cómplices de sus acciones.

Además de estas obras y artistas en Mobile Art. Experiencias móviles podemos ver vídeos que registran proyectos interactivos y/o performáticos que se han llevado a cabo y que nos interesaba mostrar como ejemplo de otros usos de este medio por parte de los artistas. Esta selección está compuesta por las siguientes obras:

SMSlingshot2008 del colectivo VR/URBAN

Gravity 2010 de Julien Gachadoat

The Urban Speaker2010 de Carlos J. Gómez de Llanera

Mobile Crash2009 de Lucas Bambozzi

Light Frequency Fingertips2009 de Robert Mathy

Cell Phone Booth2002 de Nick Rodrigues

Algunas fotos de la exposición:

Connected Memories 2008

365 Days of phone.tography 2009-2010


viendo y escuchando

experiencias móviles

del blog al espacio expositivo

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Hace tiempo que nos rondaba en la cabeza saltar eventualmente del blog al espacio físico expositivo. Hoy por fin podemos contaros que participamos en un proyecto expositivo en el que se mostrarán una serie de creaciones vinculadas a la tecnología móvil, con la intención de hacer visible este tipo de prácticas emergentes que desde hace años venimos comentando en este blog. Lo curioso es que hasta ahora en Europa no se ha llevado a cabo un proyecto expositivo de estas características y centrado en mostrar un amplio abanico de creaciones que pasarán por la creación audiovisual, la instalación, la fotografía o la representación en vivo entre otras disciplinas artísticas.

Así que una servidora, junto a Clara Puig, diseñadora y artista,  Adrián Soler, historiador del arte y gestor cultural y el equipo al completo de la Fundación Francisco Godia, estamos llevando a cabo el proyecto expositivo Mobile Art. Experiencias móviles. Pretendemos crear un espacio que nos invite a reflexionar acerca de la incidencia que los dispositivos móviles están teniendo en los actuales procesos de creación.

Pranayama (2010) Alvaro Collar

Mobile Art. Experiencias móviles se realizará en el marco del Festival Internacional Loop, plataforma de plataformas dedicadas a la imagen en movimiento que desde el 2003 viene celebrándose en Barcelona todas las primaveras, y que nació con la vocación de responder a la necesidad existente de definir, debatir y reunir a los agentes del sector. Un sector, por cierto, el de la creación audiovisual artística, cada vez más amplio, complejo y en continua evolución, que más que nunca necesita reflexión para comprender la pluralidad de sus caminos.

La exposición contará con los trabajos de Anaisa Franco, Antoni Abad, Béatrice Valentine Amrhein, Javier Castañeda, Txalo Toloza-Fernández o Andrés Duque entre otros, y se inaugurará el jueves 12 de mayo en La Fundación Francisco Godia.

Desde este espacio os iremos ampliando la información sobre los artistas, las obras y las actividades paralelas que para niños y no tan niños, llevaremos a cabo durante el transcurso de la exposición.

Bidis en Arco

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Si me preguntasen qué es lo primero que me viene a la cabeza sumando los términos Rusia y Arte creo que lo primero en lo que opensaría son las vanguardias rusas, la realidad es que no se mucho sobre el arte actual que están realizando los artistas rusos. Para hacernos una mejor idea sobre qué está pasando en su panorama artístico actual podemos darnos un paseo por Arco, ya que en la edición que se inaugurará esta semana es Rusia el pais invitado.

Pero lo que a nosotros nos interesa es ver cómo algunos de estos artistas, como sucede en el resto del mundo, están utilizando las posibilidades que la tecnología de comunicación móvil pone a su dispoción para crear obras que están despertando gran interés en el público, en muchos casos precisamente por la novedad que implica. Pero realmente no creo que sea tan novedoso como desconocido, de hecho hoy hablamos de la obra Crossworlds que la artista Olga Kisseleva realizó en 2008.

CrossWorlds

Como explica la artista, le interesa lo que politicamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Esta ex-soviética nos propone participar en una especie de conspiración en la que descodificamos mensajes y en la que la artista nos situa en una irónica posición de poder.

Inpirándose en las similitudes que hubo entre la propaganda americana y soviética desde los años veinte hasta la Guerra Fria elige las imágenes más populares de una y otra propaganda, y a las que superpone un un código QR que podemos descodificar. Yo lo he hecho con una imagen de su obra utilizando una app de mi móvil y la información codificada es textual y me trasladaba una pregunta: Have you enrolled as a volunteer?

soviético/norteamericano   imagen evidente/imagen codificada   blanco/negro

CrossWorlds Olga Kisseleva